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加藤 泉2018年制作（本小松石・着彩）

加藤の作品でよく表現されるのが「プリミティブ、または胎児のようなモティーフ」。独自の世界観を持つペインティングを中心に発表してきましたが、2005年より本格的に彫刻作品を発表し始めました。その後ソフトビニールなどを使い、さらに最近は、石、珊瑚、革や布などを用い、絵画と彫刻の境のない、自由な表現の展開に挑んでいます。本作品のシリーズは、新しい仕事として2016年よりスタートしました。このシリーズは、作家自身がまず石を選ぶ時点で、絵が描かれた最終的なイメージが湧くことが重要です。その選ばれた石を彫塑せず組み合わせることで、ある程度の造形がつくられ、絵を描くことで、作為的な造形のない石の個性と作家の創作が組み合わされ、絵画とも彫刻作品ともいえる単純ではありながらも独自の作品が生まれます。本作品は展示される丸の内仲通りの環境に合わせ、立像をイメージして制作されました。

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草間 彌生2013年制作（黒御影石）

南瓜は、草間がもっとも好んで使っているモチーフ。これまで数多くの作品を生み出していますが、本作は初めて石彫で作られた作品です。
タイトルの「われは南瓜」と素材として使われた石の関係について、草間は自身のテーマである「永遠（とこしえ）」に例えています。半永久的に残る素材（黒御影石）に南瓜（草間自身）を重ね合わせて、永遠の命を作品に吹き込みました。

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鹿田 淳史1989年制作（ブロンズプレート）

鹿田の作品は幾何学形態が特徴で、垂直や水平を軸にした西欧の合理的な思考が強いものでしたが、留学後はそこに有機的な曲面と、日本人としての東洋的な思考が取り入れられ、二面性の見られる作品に変化していきました。
本作品は帰国して数年後に制作された「Cosmic（宇宙的な）」シリーズのひとつで、垂直にのびた2本の柱が曲線を帯びながら結合しています。鹿田は平面の作品においても、水墨画などで刷毛目を使った美しい直線と曲線の作品を描いていますが、それは日本古来の水の表現であり、そのストロークは本作品にも施され、より重厚感をもたらしています。

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桑田 卓郎2018年制作（磁土・釉薬・顔料・金）

現代陶芸から現代アートの世界で活躍がめざましい桑田。目に飛び込んでくるビビッドな青や黄色の素地に重ねた金彩や白金彩は一見ポップな印象ですが、陶芸の伝統的な技法である石はぜ、梅花皮や本作品でも使われている点滴などが使われており、そこから生み出される大胆な造形の茶碗や彫刻作品は桑田作品の代名詞となっています。
近年では1メートルを超える大きさの茶碗や、またそれ以上に大きな彫刻作品も精力的に制作しています。素材に触れることや、やきもののプロセスの中での感動を、自身を通し表現することで、今の自分、社会との繋がり方や関係性を確認しています。

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木戸 修2017年制作（ステンレス）

木戸作品は初期作品から現在にかけておおよそ三期にわけることができます。初期の作品は二次元から三次元への転換、二期目はそこに螺旋の要素が加わり、現在までに至る80年代後半からは、螺旋のかたちそのものがテーマになっています。
三次元空間の美しい螺旋の形状を生み出すため、緻密な計算式でSIN曲線（サインカーブ、正弦波）を元に手書きで作図し（現在は自身が作成したプログラムで数式を計算している）、それを作家自身は「数字によるデッサン」と表現しています。その螺旋の捻れ複雑にかつ規則性をもつ数式は、磨き込まれたステンレスによって美しい曲面を描き、鏡面に映り込む空や周囲の景色は作品と環境と共生するようです。
本作品はシリーズのなかでも特に構造が複雑で、これまでの集大成ともいえる作品です。正面からは規則性のある螺旋の渦状ですが、視線を徐々に横に向けていくと、螺旋は捻れを帯びながら複雑に入り組んだ集合体で、そのフォルムは球体から成ることに気づきます。

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三沢 厚彦2018年制作（ブロンズ・着彩）

もう随分と昔の話。動物に名前もなく、出会った人もいない時代。森で最初に出会った人は村に帰って、どのようにして、出会った動物を村人に伝えたのでしょうか。身振り手振りで伝えたかもしれないし、絵を描いて伝えたかもしれない。彫刻をつくって伝えた人もいるだろう。動物に出会った時の、恐怖と感動と驚き、初めて人に伝えるスリリングな感覚。そんな気持ちがどこかにあるのかもしれない…。そこが現代の東京。さらには、丸の内の路上で動物に出会ったらどうでしょうか…。
三沢は、この十数年動物をテーマにした「アニマルズ」を発表し、支持を得ています。ブロンズをほぼ等身大に彫り込み彩色をした動物たちが、圧倒的な存在感を放ち、見るものの記憶やイメージを喚起します。

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金氏 徹平2018年制作（ステンレス・塩化ビニル系樹脂・塗料）

本作品は漫画の背景などにでてくる絵の「石」「粘土」「木」など彫刻作品の素材として使われるものを抽出し構成した、いわば抽象彫刻。ステンレスの板はバランスの良いポジションでギリギリの均衡を保ち維持しているかのようです。
金氏は日常の身の回りにあるモノや概念をコラージュ・集積し再構成させることでモノに新たな価値を生み出みだしてきました。近年はアートを基盤に演劇の美術監督、建築の分野と接点をもつことで、これまでのヒューマンスケールな作品サイズのみならず、現実の建築や空間と直接関係を持つようなサイズの作品も見られるようになりました。本作品は漫画の絵を大きくし、素材自体でギリギリの均衡を保ちながら、イメージの物質性やスケール感の無さを逆手に取り、物質性や物理現象とイメージの乖離や意味を離れた関係性の構築に挑んでいます。60~80年代の漫画から切り抜かれたモチーフは、過去に想像された未来や物語が、現在の現実空間に構築されることで、どこでもない複雑で不確かな現代の空間性を体現すると同時に、それが新たな想像力を生む装置としても機能するのではないかと金氏は考えています。

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國府 理2011年制作（鉄、土、植物、植物の種子、その他）

本作品が初めて発表されたのは、2011年ヴェネツィアでのグループ展で、展示場所が屋根裏部屋であったことから「屋根裏の庭」と題されました。翌年、同作品は、Axel Vervoordtのビューイングルーム（ワインエーゲム、ベルギー）で展示され、「the Garden」や「Kokufu’s installation」と呼ばれ、展示環境によってタイトルを変えていたそうです。
今回の展示では、ご遺族のご意向も汲みまして、この環境を鑑み、タイトルを「the Garden（屋根裏の庭）」とし、作品を再構成しました。
パラボラアンテナを庭に見立て、展示する場所のゆかりの土や植物を植えています。すでに植込み前から土中の自生するもの、仲通りに展示されてから鳥や風が落としていった生命や種が、ここで時を経ながらどんな物語を紡いでいくのでしょうか。

?パラボラアンテナは上に向いているとまるで皿に見える。私はそこに土を盛り、植物を植えた。工業的な鉄骨に支えられて宙に浮いた土地は、何ものかによって大地からきりとられた庭のようである。自然を切り取ってみせるということは、もともと存在した地面の上で人間が文明を築く行為の始まりだったのではないか、と感じた。　
「KOKUFUBOOK－國府理作品集」（2016年、青幻舎刊）より

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長谷 京治1995年制作（ブロンズ）

長谷の彫刻はイタリアの現代彫刻の形式的な芸術性のなかに、日本の伝統が垣間見えます。まるで詩を詠うように繊細で官能的であり、非常に洗練されたブロンズのフォルムには緻密な細かい細工が施され、深く落ち着いた風景の存在と叙情的な印象を与えます。

?遠く神話の時代に想いを馳せる時、碧く思慮深い海や母のような大らかな大地を流れる風の音は、神の声に聞こえることがある。音が声になり光が形になって。
「第2回フジサンケイ・ビエンナーレ現代国際彫刻展」図録より

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水井 康雄1969年制作（ブルゴーニュ産 石灰岩）

ほんのり紅がさしたブルゴーニュ産の白い石の扉が、いまにも開いて、石の奥底から響いてくる神秘の声を聞かせてくれそうです。デリケートなカービングによって端正な形姿を取らされた石が、石でありながら冷たくなくむしろ暖かく息づいているように感じませんか。

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淀井 敏夫1976年制作（ブロンズ）

本作品は、実際にローマのボルゲーゼ公園で見た光景をもとに制作されました。老女と若い娘がベンチに腰かけ語り合う、我々が日常生活でよく見かける光景ですが、淀井の頭の中にはその場面が特に印象深く残っていたといいます。そして帰国後さっそく制作を開始。原型は鉄で骨組みをつくり、直接石膏をつけて作られており、枯れ木のようなゴツゴツした肌が、風景の中に自然に溶け込みます。ベンチのやや左よりに腰かけたふたりの何気ない動作や視線から、ふたりの間にあるほのぼのとした感情と人生が伝わってきます。

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